miércoles, 30 de diciembre de 2020
lunes, 7 de octubre de 2019
EL JARDÍN DELAS DELICIAS
El jardín de las delicias es el nombre contemporáneo con el que se conoce a una de las obras más conocidas del pintor neerlandés Jheronimus Bosch (el Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 389 cm, compuesto de una tabla central de 220 cm x 195 cm y dos laterales de 220 cm x 97 cm cada una (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre dicha tabla.
Es una obra de contenido simbólico, sobre el que se han ofrecido variadas interpretaciones, como El carro de heno o la Mesa de los pecados capitales, obras, todas ellas, adquiridas por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, y guardadas durante algún tiempo en el Monasterio de El Escorial. Obedece a una intención moralizante y satírica que iba a hacer fortuna ya en su época, como demuestra la temprana aparición de copistas e imitadores.
Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid, donde ingresó como depósito del Patrimonio Nacional en 1939.
Tríptico cerrado
El cuadro cerrado en su parte exterior alude al tercer día de la creación del mundo. Se representa un globo terráqueo, con la Tierra dentro de una esfera transparente, símbolo, según Tolnay, de la fragilidad del universo. Solo hay formas vegetales y minerales, no hay animales ni personas. Está pintado en tonos grises, blanco y negro, lo que se corresponde a un mundo sin el Sol ni la Luna, aunque también es una forma de conseguir un dramático contraste con el colorido interior, entre un mundo antes del hombre y otro poblado por infinidad de seres (Belting).2
Tradicionalmente, la imagen que muestra el tríptico cerrado se ha interpretado como el tercer día de la creación. El número tres se considera un número completo, perfecto, ya que en sí mismo encierra el principio y el fin. Y aquí, al cerrarse, se transforma en el número uno, en el círculo: de nuevo nos permite vislumbrar la perfección absoluta y, quizás, a la trinidad divina. En la esquina superior izquierda, aparece una pequeña imagen de Dios, con una tiara y la Biblia sobre las rodillas. En la parte superior, se puede leer la frase, extraída del salmo 33, IPSE DIXIT ET FACTA S(U)NT / IPSE MAN(N)DAVIT ET CREATA S(U)NT, que significa «Él lo dijo, y todo fue hecho. Él lo mandó, y todo fue creado». Otros interpretan que pudiera representar la Tierra tras el Diluvio Universal
Tríptico abierto[editar]
Al abrirse, el tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del paraíso donde se representa el último día de la creación, con Eva y Adán. En el panel central se representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la prueba de que el hombre había perdido la gracia. Por último, tenemos la tabla de la derecha donde se representa la condena en el infierno; en ella el pintor nos muestra un escenario apocalíptico y cruel en el que el ser humano es condenado por su pecado.
La estructura de la obra, en sí, también cuenta con un encuadre simbólico: al abrirse, realmente se cierra simbólicamente, porque en su contenido está el principio y el fin humano. El principio en la primera tabla, que representa el Génesis y el Paraíso, y el fin en la tercera, que representa el Infierno.
ARTE CONTEMPORÁNEO
Como arte contemporáneo se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas surgidas a partir del siglo XX.
Como tal, el concepto de arte contemporáneo es relativo a cada época. Esto significa que el arte que se produce en cualquier periodo histórico siempre será contemporáneo para sus coetáneos. Contemporáneo fue el arte de Leonardo da Vinci para quienes vivieron en el siglo XVI.
Arte pop
El Pop Art revoluciona el panorama artístico gracias a la asimilación e incorporación de elementos propios de la cultura popular. Los medios de comunicación son una fuerte influencia, y los motivos publicitarios a menudo son retratados en representaciones artísticas.
El Pop Art se impone ante el concepto de arte elitista, favoreciendo el acercamiento de la cultura a la masa, que puede ser captadora o creadora de contenido artístico.
Minimalismo
El arte minimalista se enfoca en la necesidad de reducir el contenido a la más pura esencia, deshaciéndose así de todo elemento restante que no aporte valor a la obra.
Es un movimiento cargado de simbolismo y de un alto valor intelectual, aunque a nivel producción o manufactura no requiera grandes dotes.
Se caracteriza por la concreción conceptual. El lenguaje artístico se economiza al máximo, siempre manteniendo un orden estético.
Kitsch
El kitsch (/ˈkɪtʃ/)1 es un estilo artístico considerado «cursi», «adocenado», «hortera» o «trillado» y, en definitiva, vulgar aunque pretencioso y por tanto no sencillo ni clásico, sino de mal gusto.
Fue definido en el campo de la estética en los años treinta por Hermann Broch (1886-1951), Walter Benjamin (1892-1940), Theodor Adorno (1903-1969) y Clement Greenberg (1909-1994), con el propósito de definir lo opuesto al arte de Vanguardia o avant-garde. En aquella época el mundo del arte percibía la popularidad de lo kitsch como un peligro para la cultura. Más tarde fue definido sobre todo en Alemania en los años setenta.
Performance, performance art o acción artística es una forma de expresión artística que implica una puesta en escena y que puede incluir varias disciplinas como la música, la poesía, el vídeo o el teatro.
Performance
El performance aparece como un tipo de artes escénicas alrededor de la década de 1960. En este sentido, incluye los elementos claves de las artes escénicas que son la interpretación, el escenario y el espectador.
Un performance puede ser considerado, también, como parte de las artes visuales si los valores estéticos que se encuadran en el estímulo visual son los protagonistas de la obra.
Arte posmoderno
El arte posmoderno, por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la posmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución francesa y en lo económico por la Revolución Industrial.
Actualmente existe mucha controversia sobre si efectivamente el proyecto moderno está superado o no; ciertamente existe poca perspectiva histórica para poder establecer una ruptura con el periodo anterior e iniciar una nueva era; tan solo la distancia en el tiempo y un más profundo análisis podrán establecerlo.
Surgido tanto en Europa como en Estados Unidos desde mediados de los años 1970, enmarca diversos movimientos como son la transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, el neomanierismo, el neominimalismo, el neoconceptualismo y el simulacionismo, entre otros.
ARTE MODERNO
Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional.
Características del arte moderno:
- Se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
- Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como en la decoración.
- Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos su representación realista.
- Se utilizó imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las ondas de los cabellos de las mujeres y en los pringues de sus vestidos.
- Tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando incluso al erotismo.
- Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de estampas japonesas.
MOVIMIENTOS
Impresionismo
El impresionismo desafió las reglas rígidas y las representaciones realistas de la pintura académica. Atrás quedaron aquellos cuadros cuyo detalle de los ojos, cabello y demás se notaba con gran claridad.Surgió en 1872, cuando Claude Monet utilizó innovadoramente pinceladas borrosas, un enfoque en la luz y una paleta de colores vivos para pintar Impression, Sunrise.
Post – Impresionismo
Inspirados por la libertad; en cuanto a formas de expresarse a través del arte respecta, por los impresionistas, algunos autores como Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri Toulouse-Lautrec decidieron también ‘aventurarse’ trabajando estilos no convencionales.Movimiento lleno de color que comenzó en la década de 1890 y muestra un interés en la emoción y una preferencia por la interpretación subjetiva, por encima de la representación realista.
Fauvismo
El nombre se debe a que fue fundando por un grupo vanguardistas, liderado por autores como André Derain y Henri Matisse-Fauvism.Apareció por primera vez a principios del XX. Y, del mismo modo que los postimpresionistas, los fauvistas preferían dejar atrás los tonos piel y/o tonos tierra más realistas por utilizar tonos más surrealistas y un énfasis en las percepciones subjetivas del autor en sus representaciones, las cuales solían tener una apariencia abstracta.
Expresionismo
Este se dio antes de la Primera Guerra Mundial. Los pintores; oriundos de Alemania y Austria, decidieron optar por un enfoque experimental al igual que los representantes de los movimientos anteriormente mencionados.Al igual que las obras características de arte pos impresionistas y fauvistas, las piezas representadas en el estilo expresionista transmiten una fascinación por el color brillante y artificial, además de una iconografía individualista.}
Cubismo
Caracterizado por formas fracturadas y deconstruidas, el cubismo marcó el cambio de este género hacia la abstracción.Inició en 1907 por Georges Braque y Pablo Picasso, se materializó como pinturas al revés, esculturas multidimensionales y collages de vanguardia.Al igual que otros movimientos artísticos modernos, el cubismo enfatizó la subjetividad de sus autores, pues, como decía Pablo Picasso: «no teníamos el objetivo de descubrir el cubismo, sólo queríamos expresar lo que había en nosotros «.
Surrealismo
Estas obras características han sido de mucha influencia, no sólo en otras pinturas, sino también en otras artes como el cine y la fotografía. Desarrollado en la década de 1920, representado por los autores visuales Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró e Yves Tanguy. Quienes se unieron para fundar el surrealismo, el cual se basa en el subconsciente.
Expresionismo Abstracto
último movimiento, pero no el menos importante. Desarrollado a mediados del XX, algunos decidieron dejar atrás los estilos figurativos para darle paso a lo abstracto.Estos pintores pusieron gran énfasis, no solo en las características clave de este género como el color, la composición y la emoción, sino también en el proceso creativo del mismo.
ARTE RENACENTISTA
El concepto de renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El término procede de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico artística.De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte contemporáneo del norte de Europa.
Características del arte renacentista
Durante el arte renacentista se distinguieron dos períodos:
El quattrocento (siglo XV). En este período se investigó sobre las construcciones de monumentos romanos y griegos y se introdujo la perspectiva y la pintura al óleo.
El cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época renacentista. Surgieron los grandes artistas que marcaron época tales como Shakespeare, Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael, entre otros.
El descubrimiento del mundo y del hombre
El descubrimiento de América y el fin de la época medieval cambió la experiencia de la realidad del hombre, que comenzó a creer más en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades de descubrimiento.
Descubrir el continente americano sirvió como puntapié de cambio en el pensamiento de la época invitando al hombre a la búsqueda de nuevos conocimientos tanto en el mundo como en su mente.
Ver además: Humanismo
El lugar de la religión
Durante el Renacimiento la Iglesia perdió poder social: se dividió la idea de la religión y del hombre (razón versus fe).
Si bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, los apóstoles y a Dios, sus pinturas ya no ubicaron a la razón como algo impuro o prohibido sino que el conocimiento ganó terreno y prestigio en desmedro de la religión.
Sufrimiento del hombre
En la época medieval el sufrimiento era considerado una consecuencia del mal accionar del hombre frente a Dios. El arte renacentista nació cuando este pensamiento estaba cambiando: a partir de esta etapa el hombre sufre por falta de capacidad personal, por su ignorancia y por su propio actuar erróneo o perverso y ya no por castigo divino.
Resurgimiento del arte clásico
No se trata de una imitación sino de un movimiento que rescata y resalta las costumbres y estilos clásicos por medio de la investigación: una reinvención del arte grecorromano.
Conceptos que definen lo clásico
El Renacimiento fue una vuelta hacia el estilo antiguo grecorromano pero desde un enfoque científico. Los conceptos que definieron este arte fueron:
- El orden
- La proporción
- La armonía
- El ritmo
- La medida
- La simetría
- La perspectiva
- La euritmia (definición griega de una composición de tipo armónica de líneas, sonidos, colores o proporciones
La pintura tuvo dos grandes generaciones de pintores en Italia. En la primera etapa se destacaron Masaccio, Paolo Uccello y Angélico. Durante la segunda etapa surgieron artistas como Piero Della Francesca y Sandro Botticelli.
Las técnicas que se utilizaron en esta época fueron el fresco, el óleo y el temple y los temas de las obras fueron fundamentalmente religiosos aunque también hubo un surgimiento de temas mitológicos, retratos y alegóricos.
Se hizo mucho foco en la composición central del tema pero también en el uso del color, el volumen y las formas. Como soporte de las obras, se usaron techos, lienzos, paredes, etc.
Durante el siglo XVI aparecieron en escena las obras de Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.
La escultura y la arquitectura
Tanto la arquitectura como la escultura nacieron en Florencia, Italia. En la escultura se distinguieron Miguel Ángel y Donatello. Esta técnica se inspiró en el período helénico de la antigüedad y fue fundamentalmente de carácter religioso, aunque también se destacó el estudio del desnudo y de la anatomía. En cuanto a los materiales, se utilizaban el mármol y el bronce.
En la arquitectura también se destacó Miguel Ángel y se diferenciaron dos tipos de edificios:
- Los religiosos (iglesias)
- Los civiles (laicos y urbanos)
Los elementos constructivos principales fueron los arcos, las columnas y las cúpulas y como elementos decorativos se utilizaron medallones, almohadillados, guirnaldas, volutas, pórticos, pilastras con decoración heráldica, frontones y grutescos.
Promoción del arte
Durante este período las figuras importantes y poderosas de la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia.
El lugar del conocimiento
Otro pilar de preocupación para el arte renacentista fue la educación. Durante este período surgieron diferentes e importantes figuras de inigualable importancia.
Para el Renacimiento el conocimiento fue universal porque el ideal humano era universal. Durante esta época se promovió el conocimiento de la ingeniería, la hidráulica, la anatomía y la mecánica, entre otras.
Los cambios que influyeron en el concepto del conocimiento fueron:
- El descubrimiento de América
- La ruptura del cristianismo con la llegada de pensamientos protestantes
- La teoría heliocéntrica de Copérnico
Todo esto colaboró para desmitificar grandes afirmaciones que los europeos mantuvieron durante la época medieval.
EL ARTE EN LA EDAD MEDIA
Arte Románico
El arte románico se refiere al arte en Europa desde finales del siglo X hasta el ascenso del arte gótico en el siglo XIII. El término románico, fue acuñado por los historiadores del siglo XiX debido a que sobre todo la arquitectura, mantenía características básicas similares con la arquitectura romana. Sin embargo este arte se desarrolló de manera diferente al romano.
El estilo del arte románico se caracteriza por:
La producción de la pintura Pietista en forma de manuscritos iluminados, mosaicos y pinturas al fresco en las iglesias.
- Arte medieval en forma de vidrieras de colores brillantes.
- Manuscritos iluminados.
- Los colores en el arte románico fueron generalmente silenciados, a excepción de los utilizados en manuscritos y vidrieras.
- Las figuras que aparecían en el arte románico variaban su tamaño a menudo en relación con la importancia que tenían.
- Santuarios religiosos y ataúdes estaban decorados con metales finos, detalles dorados y esmalte.
- Bordados románicos, destaca el tapiz de Bayeux.
Pintura Románica
La pintura románica tiene un amplio desarrollo dado que va ligado de la arquitectura. Los edificios románicos se caracterizan por disponer de amplias paredes o murales apropiados para la decoración pictórica. La pintura era un arte subordinado a la arquitectura. La necesidad de obtener una rápida impresión religiosa en el visitante a la iglesia tan pronto como entran en el edificio, hizo que el uso de la pintura fuera un recurso valioso. En este artículo repasamos las principales características de la pintura románica.
Las principales características de la pintura románica son las siguientes:
- Empleada para resaltar los mensajes religiosos de las iglesias y abadías con una representación antinaturalista de la realidad.
- Las pinturas narran de manera simple la Palabra Sagrada.
- Las figuras son generalmente bidimensionales y se presentan de manera frontal de modo que no hay profundidad.
- Emplea colores vivos e intensos para representar de una manera muy expresiva las figuras y personajes.
- Emplea distribución espacial jerárquica para distinguir los personajes de mayor importancia.
- Composiciones simétricas y ausencia de perspectiva.
- Poca importancia de la luz y el modelado
- Fondo liso, toda la atención se centra en la figura
Escultura Románica
La escultura románica está, de igual modo que la pintura, subordinada a la arquitectura, que determina las zonas o espacios que deben de ser recubiertos con relieves o estatuas. Los lugares donde más esculturas podemos encontrar son las entradas o pórticos de las iglesias y los capiteles de las columnas o pilares. En este artículo vamos a presentar las características de la escultura románica.
Arte Gótico
La principal forma de expresión del arte gótico fue la arquitectura, ejemplificada con las grandes catedrales góticasdel norte de Francia. Los ejemplos más destacables eran la Catedral de Chartres, la Catedral de Notre-Dame y la Catedral de Colonia, del mismo modo, las abadías de Canterbury y Westminster en Inglaterra también son de estilo gótico.En el diseño y arte gótico, las formas planas y simples del Románico se sustituyen por un diseño centrado en las líneas de las edificaciones. A diferencia del románico, las nuevas tecnologías de construcción permiten realizar grandes aperturas en las paredes llenando estas de ventanas con vidrios pintados más grandes.
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